The Grapes of Wrath (1940)

Director: John Ford

País: Estados Unidos 

 

Estaba renuente a ver esta película escrita por Nunnally Johnson basada en la novela de John Steinbeck porque quería leer el libro primero, pero las cosas no siempre salen conforme a lo planeado y finalmente vi la versión cinematográfica que además es del legendario John Ford y no me decepcionó en lo más mínimo, al contrario, me sorprendió y de gran manera no solo por la maestría para filmar sino por la soltura y crudeza que Ford le da a la historia en términos cinematográficos.

Es de notar que este filme de John Ford es de 1940, es decir, muy anterior a títulos de gran importância mundial tales como Ladrones de Bicicletas de De Sica (1948), Los Olvidados de Buñuel (1950), La Strada de Fellini (1953) o Rocco y sus Hermanos de Visconti (1960) todos ellos retratando la realidad de una manera visceral y sin adornos bajo diferentes enfoques, por lo tanto, este filme de Ford es sin duda alguna, una joya entre joyas.

Como he mencionado en otras publicaciones, no soy un experto en John Ford, pero en este filme y en otros posteriores se pueden palpar los elementos de su obra como por ejemplo:

1. La desintegración de la familia. La familia de granjeros es expulsada de su propia tierra por el gran capital y posteriormente la desgracia los irà alcanzando hasta desintegrar el núcleo familiar.

2. La desintegración de una comunidad. Cientos de familias son despojadas de su hogar y las comunidades se disuelven buscando nuevos horizontes en el Oeste.

3. La desilusión ante la vida. Este punto lo encarna el "antiguo" pastor quien ya no ejerce su llamado divino y ahora prefiere hacer las preguntas en lugar de responderlas.

4. El ser hombre en una sociedad. Este punto Ford lo ataca desde varios ângulos, por un lado al hombre lo hace su trabajo pero también su respuesta ante las dificultades.

5. La injusticia de la vida misma. Los granjeros son víctimas no por cuenta propia sino por una serie de circunstancias fuera de su alcance, no solo la inclemencia del tiempo sino también del sistema capitalista en el que viven, en ese sentido, la competencia es su peor enemigo.

6. El Progreso. Lejos de ayudar al bienestar espiritual de una sociedad, el llamado "progreso" contribuye a la destrucción de los valores morales y espirituales del individuo, a la corrupción y al materialismo, y finalmente a su desintegración.

La película ataca las fibras de la sociedad americana post crisis económica y desmonta los mitos del sueño americano, la conquista del oeste y de la tierra de las oportunidades. Por otro lado, Ford filma de una forma elegante y profunda, conjuntando a los personajes con la naturaleza y fundiendo a estos como si fuesen partículas efímeras en medio de la vastedad. Ford también ocupa planos largos y estáticos pero mueve la cámara de forma fluida, sin caer en contemplaciones excesivas.

En conclusión, esta es una impresionante película que se adelanta en el tiempo y retrata la condición humana y su modo de supervivencia pero además no deja de subrayar los estragos del capitalismo y del "progreso" en una sociedad con ansias de prosperar a costa del sufrimiento del otro. 

L' Avventura (1960)

Director: Michelangelo Antonioni

Pais: Italia

Durante un viaje en yate, Anna desaparece misteriosamente despues de nadar cerca de unas islas, por lo cual, su prometido Sandro y Claudia su amiga inician una búsqueda desesperada para encontrarla. Sin embargo, Sandro y Claudia se involucran sentimentalmente y van desarrollando un romance que no termina del todo bien.

Antonioni narra esta historia de una forma contemplativa y se toma su tiempo para ir desarrollando a los personajes. Se contempla entonces, a través de la cámara, el tiempo, la vida, la muerte, el amor, la pasión y la perdida, pero también se contrapuntea la moral del espectador. 

La cámara estática y los paneos lentos capturan a los personajes, tanto principales como secundarios, que entran y salen a cuadro. Antonioni no hace cortes y deja que la acción corra en tiempo real dándole respiro al espectador para reflexionar sobre lo que está aconteciendo enfrente de él.

Por su parte, el monocromático "ahoga" lo que gira alrededor de los personajes redirigiendo toda la atención a estos, por esta razón el cine en blanco y negro es el más poderoso desde mi punto de vista, ya que no depende de la psicología del color para definir ni a sus personajes ni a lo que les rodea. También, Antonioni funde a Sandro y a Claudia en la vastedad del paisaje, sus problemas en medio de las islas y el mar parecen absurdos pero también desoladores pues la perdida de Anna los ha puesto a pensar en el tiempo y en sus propias vidas. 

Al respecto, Sandro ha dejado de diseñar y se ha dedicado a trabajar para desarrollar proyectos ajenos, esto aunque le deja dinero le causa amargura como lo vemos cuando tira el tintero sobre el trazo de un joven arquitecto, su frustración la contempla en el diseño que mira y su amargura la descarga de esa forma. 

Asi, una vez que Sandro y Claudia comienzan a desarrollar su pasión, ella se ve rebasada por las emociones y él muestra una faceta distante (el personaje deja claro porqué nunca se casó con Anna) ¿Es que acaso Anna se suicidó? El final de la película no es feliz porque la soledad persigue a Sandro y a Claudia a pesar de que se acompañan, ¿Por qué llora Sandro? ¿Se siente culpable? ¿llora por su incapacidad de ser feliz? ¿El paso del tiempo, de su tiempo, le está doliendo? Tal vez quizá llora por todo...

TORERO! (1953)

Director: Carlos Velo 

País: México 

 

Documental-ficción y biográfico, en donde el torero mexicano Luis Procuna interpreta y narra su propia vida mientras se dirige al ruedo en un cartel que comparte junto con Carlos Arruza y el portugués Manuel Dos Santos en la Plaza de Toros México.

Este trabajo filmico, en mi opinión, no solo dignifica la tauromaquia, ya que presenta la vida de un torero en todas sus facetas: la de hijo, la de padre o la de esposo, sino también eleva la forma y el fondo del cine documental y de ficción combinándolos de forma magistral tanto visual como narrativamente.

El filme muestra de manera objetiva, dejando que la audiencia juzgue, la vida de un matador de toros y las emociones, pensamientos y sensaciones que éste tiene antes, durante y después de una corrida. Es interesante también, que se haya retratado no solo el cómo sino el por qué, es decir, el origen y los motivos de Procuna para volverse torero. En este sentido, las escenas de Procuna siendo niño y joven cumplen su cometido de enriquecer el documental, pero al mismo tiempo se funden en él, mostrando con realismo las etapas de entrenamiento para llegar a ser torero.

Personalmente me pareció conmovedor el espacio dedicado a su madre o a la muerte de Manolete, el legendario torero español, imágenes tomadas de archivo y filmadas por Walter Reuter, un exiliado alemán avecindado en México como el propio Carlos Velo.

A propósito de esto, Velo usó trucos de filmación para hacer pasar el metraje de ficción como si fuese de archivo, por ejemplo, haciendo duplicados del celuloide. También, la voz de Procuna fue doblada por un actor profesional y algunos diálogos pasaron por este mismo proceso.

Para concluir, este es un gran trabajo independiente hecho en México y, en mi punto de vista, una de las grandes películas acerca de la tauromaquia junto con la de otro grande, la de Francesco Rosi y "Il momento della veritá".