The Grapes of Wrath (1940)

Director: John Ford

País: Estados Unidos 

 

Estaba renuente a ver esta película escrita por Nunnally Johnson basada en la novela de John Steinbeck porque quería leer el libro primero, pero las cosas no siempre salen conforme a lo planeado y finalmente vi la versión cinematográfica que además es del legendario John Ford y no me decepcionó en lo más mínimo, al contrario, me sorprendió y de gran manera no solo por la maestría para filmar sino por la soltura y crudeza que Ford le da a la historia en términos cinematográficos.

Es de notar que este filme de John Ford es de 1940, es decir, muy anterior a títulos de gran importância mundial tales como Ladrones de Bicicletas de De Sica (1948), Los Olvidados de Buñuel (1950), La Strada de Fellini (1953) o Rocco y sus Hermanos de Visconti (1960) todos ellos retratando la realidad de una manera visceral y sin adornos bajo diferentes enfoques, por lo tanto, este filme de Ford es sin duda alguna, una joya entre joyas.

Como he mencionado en otras publicaciones, no soy un experto en John Ford, pero en este filme y en otros posteriores se pueden palpar los elementos de su obra como por ejemplo:

1. La desintegración de la familia. La familia de granjeros es expulsada de su propia tierra por el gran capital y posteriormente la desgracia los irà alcanzando hasta desintegrar el núcleo familiar.

2. La desintegración de una comunidad. Cientos de familias son despojadas de su hogar y las comunidades se disuelven buscando nuevos horizontes en el Oeste.

3. La desilusión ante la vida. Este punto lo encarna el "antiguo" pastor quien ya no ejerce su llamado divino y ahora prefiere hacer las preguntas en lugar de responderlas.

4. El ser hombre en una sociedad. Este punto Ford lo ataca desde varios ângulos, por un lado al hombre lo hace su trabajo pero también su respuesta ante las dificultades.

5. La injusticia de la vida misma. Los granjeros son víctimas no por cuenta propia sino por una serie de circunstancias fuera de su alcance, no solo la inclemencia del tiempo sino también del sistema capitalista en el que viven, en ese sentido, la competencia es su peor enemigo.

6. El Progreso. Lejos de ayudar al bienestar espiritual de una sociedad, el llamado "progreso" contribuye a la destrucción de los valores morales y espirituales del individuo, a la corrupción y al materialismo, y finalmente a su desintegración.

La película ataca las fibras de la sociedad americana post crisis económica y desmonta los mitos del sueño americano, la conquista del oeste y de la tierra de las oportunidades. Por otro lado, Ford filma de una forma elegante y profunda, conjuntando a los personajes con la naturaleza y fundiendo a estos como si fuesen partículas efímeras en medio de la vastedad. Ford también ocupa planos largos y estáticos pero mueve la cámara de forma fluida, sin caer en contemplaciones excesivas.

En conclusión, esta es una impresionante película que se adelanta en el tiempo y retrata la condición humana y su modo de supervivencia pero además no deja de subrayar los estragos del capitalismo y del "progreso" en una sociedad con ansias de prosperar a costa del sufrimiento del otro. 

L' Avventura (1960)

Director: Michelangelo Antonioni

Pais: Italia

Durante un viaje en yate, Anna desaparece misteriosamente despues de nadar cerca de unas islas, por lo cual, su prometido Sandro y Claudia su amiga inician una búsqueda desesperada para encontrarla. Sin embargo, Sandro y Claudia se involucran sentimentalmente y van desarrollando un romance que no termina del todo bien.

Antonioni narra esta historia de una forma contemplativa y se toma su tiempo para ir desarrollando a los personajes. Se contempla entonces, a través de la cámara, el tiempo, la vida, la muerte, el amor, la pasión y la perdida, pero también se contrapuntea la moral del espectador. 

La cámara estática y los paneos lentos capturan a los personajes, tanto principales como secundarios, que entran y salen a cuadro. Antonioni no hace cortes y deja que la acción corra en tiempo real dándole respiro al espectador para reflexionar sobre lo que está aconteciendo enfrente de él.

Por su parte, el monocromático "ahoga" lo que gira alrededor de los personajes redirigiendo toda la atención a estos, por esta razón el cine en blanco y negro es el más poderoso desde mi punto de vista, ya que no depende de la psicología del color para definir ni a sus personajes ni a lo que les rodea. También, Antonioni funde a Sandro y a Claudia en la vastedad del paisaje, sus problemas en medio de las islas y el mar parecen absurdos pero también desoladores pues la perdida de Anna los ha puesto a pensar en el tiempo y en sus propias vidas. 

Al respecto, Sandro ha dejado de diseñar y se ha dedicado a trabajar para desarrollar proyectos ajenos, esto aunque le deja dinero le causa amargura como lo vemos cuando tira el tintero sobre el trazo de un joven arquitecto, su frustración la contempla en el diseño que mira y su amargura la descarga de esa forma. 

Asi, una vez que Sandro y Claudia comienzan a desarrollar su pasión, ella se ve rebasada por las emociones y él muestra una faceta distante (el personaje deja claro porqué nunca se casó con Anna) ¿Es que acaso Anna se suicidó? El final de la película no es feliz porque la soledad persigue a Sandro y a Claudia a pesar de que se acompañan, ¿Por qué llora Sandro? ¿Se siente culpable? ¿llora por su incapacidad de ser feliz? ¿El paso del tiempo, de su tiempo, le está doliendo? Tal vez quizá llora por todo...

TORERO! (1953)

Director: Carlos Velo 

País: México 

 

Documental-ficción y biográfico, en donde el torero mexicano Luis Procuna interpreta y narra su propia vida mientras se dirige al ruedo en un cartel que comparte junto con Carlos Arruza y el portugués Manuel Dos Santos en la Plaza de Toros México.

Este trabajo filmico, en mi opinión, no solo dignifica la tauromaquia, ya que presenta la vida de un torero en todas sus facetas: la de hijo, la de padre o la de esposo, sino también eleva la forma y el fondo del cine documental y de ficción combinándolos de forma magistral tanto visual como narrativamente.

El filme muestra de manera objetiva, dejando que la audiencia juzgue, la vida de un matador de toros y las emociones, pensamientos y sensaciones que éste tiene antes, durante y después de una corrida. Es interesante también, que se haya retratado no solo el cómo sino el por qué, es decir, el origen y los motivos de Procuna para volverse torero. En este sentido, las escenas de Procuna siendo niño y joven cumplen su cometido de enriquecer el documental, pero al mismo tiempo se funden en él, mostrando con realismo las etapas de entrenamiento para llegar a ser torero.

Personalmente me pareció conmovedor el espacio dedicado a su madre o a la muerte de Manolete, el legendario torero español, imágenes tomadas de archivo y filmadas por Walter Reuter, un exiliado alemán avecindado en México como el propio Carlos Velo.

A propósito de esto, Velo usó trucos de filmación para hacer pasar el metraje de ficción como si fuese de archivo, por ejemplo, haciendo duplicados del celuloide. También, la voz de Procuna fue doblada por un actor profesional y algunos diálogos pasaron por este mismo proceso.

Para concluir, este es un gran trabajo independiente hecho en México y, en mi punto de vista, una de las grandes películas acerca de la tauromaquia junto con la de otro grande, la de Francesco Rosi y "Il momento della veritá".

 

 

I Walked with a Zombie (1943)

Director: Jacques Torneaur 

País: Estados Unidos 

<Cualquier similitud con vivos, muertos o "poseídos" es mera coincidencia> se lee en los créditos iniciales de este filme de la famosa RKO, a modo de "broma". 

 

Betsy Connell, una enfermera canadiense, es contratada para cuidar a una paciente en una isla del Caribe, sin embargo, se verá envuelta en un romance turbulento y en un dilema profesional y religioso.

Una verdadera obra maestra del cine de terror, una genialidad que eleva el cine a la categoría de arte y una muestra de que para hacer una obra trascendental, y artística, no se requieren, necesariamente, de grandes cantidades de dinero, locaciones, efectos especiales o estrellas de cine, pero si de un autor con visión clara, creatividad y la capacidad de organizar, articular y contar una historia de forma elocuente.

Torneaur, además, lo logra con el presupuesto destinado a un filme de "serie B", y a pesar de esto, la película tiene un tonelaje y profundidad que ni de cerca tienen todas las películas de los "Monstruos de Universal" las cuales carecen de substancia y por momentos caen en lo "chusco".

 

Por el contrario, aquí se aborda el tema del zombie, o de los muertos vivientes, desde el ángulo del vudú, el culto a la muerte, y las creencias espirituales predominantes entre los habitantes de las islas caribeñas. Por otro lado, Tourneaur también toca el tema del colonialismo británico, las diferencias lingüísticas y de clase entre colonos europeos y negros, la explotación económica y, desde mi punto de vista, la imposición de los conceptos judeocristianos traídos por los europeos a América.

Apoyándose siempre en las luces y en las sombras, en el viento y en una narrativa que por momentos es onírica y hasta surrealista, lo cual ayuda a crear una atmósfera de terror, la película va articulando el misterio del triángulo amoroso entre los hermanos y la ahora "muerta viviente" y al mismo tiempo explorando el terreno religioso que atañe a la figura del "zombie".

Por otro lado, la poética de las imágenes se sostiene en el expresionismo alemán, imágenes que nos recuerdan a Murnau o a Dreyer, aunque con una voz y potencia propias. En este sentido, el filme de Torneaur ha influenciado a cineastas contemporáneos, el más claro ejemplo siendo el portugués Pedro Costa con su "Cavalo Dinheiro" o "Vitalina Varela", las cuales, sin ser una calca, evocan el terror, el misterio y la atmósfera onírica del filme de Torneaur y a personajes que deambulan entre la vida y la muerte.

Al respecto, imágenes como la de Jessica vestida de blanco y bajando las escaleras, la de Carrefour apareciendo en primer plano o el ritual vudú con el baile y la muñeca, resultan realmente estremecedoras y alejadas de cualquier artilugio o parafernalia visual, dependiendo únicamente de los sonidos y del mero ritual, en el caso de la escena del vudú, para proyectar con potencia la esencia de la hechicería.

También, el filme nos muestra el folklore de los nativos de esta isla caribeña (presuponiendo que se trata de Haití) con música a base de percusiones y de guitarra criolla, esta última utilizada con maestría, cual "número musical", en donde se desenmaraña la turbulenta situación de los hermanos y la mujer ahora en estado "zombie".

Además, el tema de la muerte asistida y el dilema moral y ético que esto representa para el cuerpo médico, es algo realmente vanguardista para la época y que incluso hoy en día sigue causando escozor en ciertos sectores de la sociedad y la medicina. Es por estas razones que la obra de Torneaur se desmarca absolutamente de los zombies de Romero, Fulci, Plaza, Danny Boyle o de la hiperpopular "The Walking Dead", todas ellas con el gore como parte de su sistema nervioso central.

 

Resumiendo, este filme "artesanal" de un maestro del cine como Tourneaur ha traspasado y resistido el tiempo como pocas, una capacidad reservada solo para las grandes obras de arte y se planta firme a pesar de las tendencias y el festín de hemoglobina que predomina en el cine y TV, especialmente en el género "zombie".

El Asalto (1960)

Director: Kurt Land

País: Argentina 

Un grupo de delincuentes, liderado por "El Profesor", planea un asalto al Banco de La Plata, sin embargo, para ejecutarlo deberán tomar otros riesgos y hacer ciertos "sacrificios".

Filme argentino del género de robos y atracos basado en la novela de Enrique Silberstein, con guion de Ariel Cortazzo y dirección de Kurt Land, un austriaco avecindado en Argentina. Rodado de forma clásica y con personajes dignos de este tipo de cine, es decir, los clásicos ladrones de poca monta y con rostros de perdedores (como los asaltantes perdedores en The Killing de Stanley Kubrick) También, los escenarios donde se desarrolla la acción son también comunes en el cine de delincuentes, por ejemplo los billares, cafés o salones de la vida nocturna.

Por otro lado, este grupo de ladrones, aunque simpáticos y vestidos de traje y corbata, siempre dejan entrever su lado frio y calculador (como individuos anti-sociales) en ese aspecto, siempre se muestran como desadaptados sociales (con aversión al trabajo y a las reglas que hay que cumplir como consecuencia de ello) y prestos a usar la violencia.

Igualmente, la historia tiene tintes de cine negro con las voces en "off", aunque los chispazos de humor bufonesco le quitan un poco de tensión a la trama más allá de que generan conflicto en la historia, por ejemplo, el policía parlanchín que se queja de su miserable vida.

El director por su parte, ejecuta de gran forma toda la planeación al robo, dándole dinamismo al usar a todos los personajes (sin centrarse en uno solo) y como no podría ser de otra forma, dotándola de un giro inesperado al final. 

Para concluir, este es un filme de buena factura, sin subtramas largas ni denuncias sociales o cuestionamientos filosóficos, a pesar de dejar entrever que "el mundo es para los jóvenes", y tampoco sin pretensiones de querer ser la gran pelicula de robos, en otras palabras, lo que se ve en pantalla es lo que ocurre y nada más. 

                                    

 

Nanook of the North (1922)

Director: Robert Flaherty 

País: Estados Unidos 

Un filme silente transmitido tradicionalmente en épocas de Navidad en la televisión y casi siempre presentado como documental, aunque en realidad es parte ficción y tiene cierta puesta en escena, como las escenas dentro del iglú, cuando Nanook "caza" un pez, el cual ya estaba muerto o la escena del gramófono por mencionar algunas.

 

La historia gira en torno al ya mencionado "Nanook" y a su familia y animales de caza que viven (o sobreviven) en las tierras gélidas de Canadá. Asimismo, la mujer de Nanook en el documental no era en realidad su mujer. Por otro lado, la intención del director es, claramente, transmitir el modo de vida y costumbres del hombre "primitivo" lo cual logra sin lugar a dudas. También, transmite con crudeza las condiciones climáticas y muestra sin sentimentalismos la caza de focas, morzas o zorros, los cuales son el único alimento para los nativos de estas latitudes. 

 

En este sentido, la película cumple su cometido y funge cual exposición del "hombre primitivo" de un museo pero en movimiento. Los grandes planos mostrando la vasta capa de hielo y los primeros planos mostrando los rostros de la familia de Nanook son de gran expresividad y le dan verosimilitud al filme.

También, la obra funciona como documento educativo pues muestra también como juegan los niños a cazar osos polares (hechos de nieve) como se usa aceite de foca como un elemento combustible o algunos otros datos que nos dan los intertitulos. 

 

La música para la versión restaurada fue compuesta por Timothy Brock, quien le da una atmósfera dramática, y por momentos melancólica y misteriosa, que nunca desentona con las imágenes, especialmente con el crudo final que enfoca a los perros durmiendo cubiertos por la nieve.

Gran filme para la historia, el cual se encuentra hoy bajo dominio público, y que en su momento sentó las bases para el cine documental que vendría con el paso del tiempo.

 

 

 

Garrincha, alegria do povo (1963)

Director: Joaquim Pedro de Andrade

País: Brasil 

 

En Brasil, el nombre de Manoel Francisco Dos Santos, mejor conocido como "Garrincha", es sinónimo de habilidad y victoria, su apodo, tomado del nombre de un ave del Mato Grosso, es tan poético como su forma de jugar al futbol. 

 

"Se fossemos 75 milhoes de Garrinchas, que país sería éste, maior que a Russia, maior que os Estados Unidos". Con esta frase a modo de epígrafe del escritor Nelson Rodrigues, inicia el documental sobre uno de los grandes futbolistas que ha dado el Brasil, aunque en este trabajo solo se incluya su faceta más brillante y no así, su decadencia. 

La cámara sigue por la calle a Garrincha cuando va a un banco, a una tienda de vinilos y a su casa, obsequiada por una fábrica de tejidos, asentada en la villa donde nació, como premio por haber conquistado la Copa Mundial de 1958 en Suecia. Estas secuencias documentalistas-cine verité, muestran a un hombre sencillo y sin aires de grandeza, y cuyo propósito es el de jugar futbol y divertirse, ya sea en el campo del Botafogo o en su tierra natal de Pau Grande con los chicos de la villa. 

 

A propósito de esto, Garrincha quien laboraba en la fábrica y era mal funcionario, no fue despedido gracias a sus habilidades técnicas para jugar futbol y ganar partidos para la escuadra de la fábrica. Esto, a su vez, hizo que llegara a fichar por el Botafogo. Es asi que, el ser buen futbolista en Brasil significaba no solo ser un tocado por Dios, sino también salir de la miseria, de la pobreza y de los trabajos explotadores, tal y como era la posibilidad de ser boxeador en México o torero en España. 

 

El director del filme a su vez, intercala fotografías con videos de archivo para mostrar las habilidades del mítico 7 de la selección brasileña: la gambeta, el recorte, el pase o su capacidad para desbordar a los defensores por la banda derecha. Estas cualidades innatas hicieron de Garrincha un ídolo carioca y del Brasil en general, es por esto que se le ve rodeado de multitudes y de gente pidiéndole autógrafos o saludándole por la calle. De igual forma, su fama adquirida fue aprovechada por políticos y otros oportunistas. 

 

Punto y aparte son los defectos físicos de Garrincha explicados por un médico. Estos defectos increíblemente tampoco entorpecieron su deseo de mirar al horizonte en el campo de juego, es decir, encarar a los defensas, gambetearlos y apuntar a la meta. De igual forma, esto pone en cuestión los efectos de los diagnósticos médicos en cierto sentido, es decir, ¿qué hubiese pasado si un médico hubiese impedido a Garrincha de jugar al futbol? sin duda, resulta una locura que alguien le hubiese impedido al mundo ver a un jugador de tal calibre.

 

De gran valor resultan también los primeros planos del publico brasileño en las tribunas, los cuales conjugan una gran belleza y transmiten la variedad de emociones del espectador: sorpresa, alegría, angustia o tristeza. Asimismo, la superstición, la cábala, la "macumba" y los "feticeiros" son mencionados como parte del ritual religioso que representa el futbol en Brasil y que lo eleva a la categoría de culto religioso y no solo al de un simple pasatiempo familiar. 

 

Así entonces, estos documentos fílmicos prueban, de cierto modo, que el futbolista ídolo no es cosa de años recientes o producto de la TV, sino producto de sí mismo y de su manera de desplegar su habilidad y carisma en la cancha, ya que en los años 50 y 60 el futbol no era la máquina mercadológica y mediática que es hoy en dia. El director muestra también la relevancia que Mané tuvo en las conquistas de las Copas de Suecia 1958 y Chile 1962 aunque no de manera cronológica. Esto, en mi opinión, entorpece la fluidez del documental.

 

Respecto a esto, se muestra la tragedia del "Maracanazo", la derrota contra Uruguay en la final del mundial de 1950. Llanto, rabia, frustración e incredulidad se apoderaron de todo un pais al ver a su selección dejar ir el titulo mundial ante una heroica escuadra "charrúa". 

 

La música que acompaña las imágenes es diversa: samba, swing o música clásica son las elecciones del director para darle ritmo y color a este documental que termina de forma nostálgica mostrando al Maracaná vacío y reservándose el trágico final que tendría Garrincha, el hombre del apodo poético y la alegría del pueblo. Para finalizar, no hay mejores palabras para resumir la vida de Mané que las dichas por Diego Armando Maradona, quien dijo: "El ídolo de Rio, y el carioca más importante que existe, es Garrincha".

 

 

 

 

Muerte de un Ciclista (1955)

Director: Juan Antonio Bardem 

País: España 

 

Este filme lidia con los temas de la consciencia, el egoísmo, la injusticia, las secuelas de la guerra y la burocracia, además de retratar a una burguesia que vive apartada de la realidad en una España empobrecida. 

 

Es así que, una familia ha quedado desamparada, una alumna ha sido reprobada y un hombre ha sido engañado, estos hechos, que causan infelicidad y muerte, son el resultado del egocentrismo de quienes los han causado. Esto también podría interpretarse como una metáfora del gobierno de Franco (la burguesía) y el pueblo oprimido y victima de la injusticia (el ciclista y la estudiante) En ese sentido, la película esconde muy bien estos motivos "políticos" para los posibles ofendidos de la época.

 

Resumiendo, la historia raya en lo moralizante, sobretodo la linea del amorío, lo cual le quita potencia a la narrativa desde mi punto de vista, aunque eso no la despoja de su calidad, en términos generales, como obra fílmica.

 

Steamboat Willie (1928)

Director: Walt Disney y Ub Iwerks

País: Estados Unidos 

Primer cortometraje animado con sonido sincronizado, diseñado por Ub Iwerks y donde aparece la icónica imagen de Mickey al mando de un bote a vapor y silbando alegremente. 

Cuando una cabra se come unas partituras, Minnie, quien previamente es ayudada por Mickey para subir, usa la cola del animal para darle cuerda y que este emita una melodía. Esta secuencia con la canción "Turkey in the Straw", con Mickey en las percusiones y usando a otros animales de granja para tocar la canción, es una genialidad de la animación y del sonido que resulta alucinante. Sin embargo, el capitán Pete, un gato grandulón que mastica tabaco, se encarga de castigar al querido ratón al que envia después a pelar papas. 

 

Por su parte, la gracia que transmite el "Ratón Miguelito" es trascendental y hasta el día de hoy el cortometraje se mantiene fresco y lleno de vida. Walt Disney se encargó de supervisar la grabación de la música y fue también quien, de forma visionaria, anticipó el entonces fin del cine silente. 

 

Pese a su cortísima duración, este es el inicio del imperio de la animación de Disney y su "fábrica de sueños" que posteriormente lanzaría "Blanca Nieves y los Siete Enanos" la primer película animada de larga duración con sonido.

 

 

High Noon (1952)

Director: Fred Zinnemann 

Pais: Estados Unidos

 

"Solo ante el peligro" como se le tituló en castellano, es uno de los más grandes westerns jamás hechos. Protagonizada por Gary Cooper, el símbolo masculino occidental por excelencia, ese que, parafraseando a Tony Soprano, escuchaba, callaba y actuaba sin ir al psicólogo a contar sus problemas y a lloriquear, sino que hacia todo lo contrario, es decir, los enfrentaba con dignidad y respeto propio, a sabiendas de que la vida se le podia ir en ello. 

 

Es por esto que Cooper llegó a ser un ícono para toda una generación nacida después de la Segunda Guerra Mundial y este filme es el ejemplo tanto de ello, como el de una masculinidad americana que ya no existe o que está en vías de extinción. Dicho sea de paso, la figura de Cooper como el "sheriff" que va contra un grupo de enemigos ha sido replicada en multitud de ocasiones por políticos estadounidenses de todos los niveles que, imitando a Cooper, venden la idea de ir solos contra el adversario o adversarios.

 

Por otro lado, el filme también subraya que una sociedad con criminales, violencia y sangre, siempre será un "mal negocio" para futuros inversores y para la prosperidad de cualquier ciudad, en ese sentido, la justicia y el orden son la prioridad, siempre y cuando no atenten contra nuestra propia integridad y libertades. Es entonces donde entra la gallardía mítica de Cooper (el actor vuelto arquetipo) que decide enfrentar, solo y su alma, a los fuera de la ley, salvaguardando a su pueblo, y salvando su orgullo, sus valores y sus principios (aún cuando se le da la oportunidad de escapar y librarse de esa carga).

 

Por su parte, el director del filme, Fred Zinnemann, nos muestra a un "marshall" humano en la figura de Will Kane (Cooper) y reivindica también la figura femenina tanto en el personaje de Helen Ramirez (Kary Jurado) una mujer mexicana y dura, como en el de Amy Kane (Grace Kelly), mujeres con sus propios ideales.

 

También, hay que añadir que es una película hecha con poco presupuesto, un western sin la parafernalia visual de otros, pero que con una dirección adecuada que logra transmitir el suspenso y nos mantiene en la expectativa de lo que puede suceder cuando llegue Frank Miller a la pequeña ciudad. Este suspenso el director lo ejecuta de forma económica (pero efectiva) con solo hacer planos del reloj.  

 

Finalmente, me quedo con la imagen de Gary Cooper caminando solo en medio del pueblo, listo para enfrentar la muerte, una imagen ya icónica del séptimo arte. Así pues, "High Noon" es una obra imprescindible del género Western y de la filmografía de Gary Cooper, "the strong slient type" de acuerdo al anti-héroe por excelencia de la TV, Tony Soprano.