martes, 26 de abril de 2022

La Fórmula Secreta (1964)

Director: Rubén Gámez
País: México

Este trabajo de cine experimental, con guion del propio director y con la participación de Jaime Sabines leyendo un texto de Juan Rulfo, fue también conocido como "Coca-Cola en la Sangre".

La primera escena de la cinta, inicia con un primer plano de una botella de Coca-Cola volteada y a modo de transferir su liquido a la sangre de un paciente. A partir de ese momento, la película nos lleva por un viaje alucinante de escenas "surrealistas", por llamarle de alguna forma, que resultan ser crudas y paradójicamente bastante realistas.

En mi punto de vista, una de las temáticas del filme es la pérdida de la identidad nacional frente a las costumbres, idiomas e ideología estadounidense y extranjera en general. Por otro lado también, el retrato realista de los mexicanos que hasta ese momento, se habían empeñado en romantizar la pobreza, el barrio y el campo, en gran parte de las cintas hechas durante la llamada "Época de Oro" del cine mexicano.

Es por eso que la cinta de Gámez resulta impresionante, porque va más allá de aspectos técnicos como el montaje, la fotografía o los diálogos y se remite simplemente a transmitir imágenes que calan y que provocan un sentimiento. Esto es para mi, cine y poesía pura.

Personalmente, la película también me transmite no solo la idea de los mexicanos como seres atrapados en la voraz "cultura" estadounidense y su idioma inglés, sino también como seres atrapados en la religión, en la pobreza, en la indiferencia y en la propia vorágine del egoísmo.

Sorprendente y desgraciadamente la película sigue vigente hoy en día, pues vivimos en un país donde el trabajador del campo gana una miseria; la religión sigue causando estragos al desarrollo del país; las empresas transnacionales siguen explotando la mano de obra y los recursos naturales; los anglicismos están cada vez más presentes en nuestro idioma español y la violencia y la sangre a borbotones ya no solo viene de una vaca como la que se ve en el filme, viene también de niños, mujeres y hombres en cada rincón del país.

Así entonces, ¿la transfusión de Coca-Cola a la sangre de los mexicanos está consumada? Habría que ver el último plano de esta película para voltear a ver nuestra realidad y encontrar las diferencias, en caso de que hubiera alguna.

Finalmente, hay que recordar que esta obra (hoy de culto) estuvo perdida durante várias décadas y fue recientemente restaurada y exhibida, aunque de todos modos es laborioso encontrarla pues no ha sido editada en DVD ni puesta en línea para su visionado.

 



lunes, 25 de abril de 2022

Sopralluoghi in Palestina (1965)

Director: Pier Paolo Pasolini
País: Italia

Antes de comenzar el rodaje de El Evangelio Según San Mateo, Pasolini se embarcó en la búsqueda de las locaciones en el lugar donde ocurrieron los hechos: Jordan y Palestina, para tener una impresión realista y precisa de los lugares por donde Cristo caminó y habló. Esta búsqueda quedó filmada en este pequeño documental.

Sin embargo, al llegar a las posibles locaciones, Pasolini se encuentra con lugares desérticos y contaminados por la modernidad, lo cual le provocan cierto grado de decepción pues el objetivo del cineasta era rodar el filme en Palestina, con la atmósfera de los dias pre-cristianos y hebreos.

Por otro lado, es interesante ver como Pier Paolo Pasolini se expresa al hablar de Cristo, pues siempre lo hace de manera certera y afirmando su existencia, por ejemplo, "Cristo habló ahí" o "Cristo caminó por aquí", lo cual es en mi opinión, bastante sorprendente, considerando que Pasolini era un comunista, ateo y homosexual declarado (un estilo de vida claramente confrontado con el catolicismo de la época)

También, durante el documental, podemos observar la meticulosidad de Pasolini, el cual va haciendo comparativas y buscando en su mente qué lugares en Italia podrían servir para montar la vida, muerte y resurrección de Cristo, pues las ciudades palestinas (e israelís) se encuentran con autos, edificios y postes de teléfono que ensucian su visión.

Finalmente, Pasolini rodaria su película en Italia, pero la experiencia de haber visitado Jordan y Palestina le seria de utilidad para darse una idea del cómo, del espacio y de la textura que necesitaba para plasmar la vida de Cristo como nunca antes habia sido llevada al cine.

En ese sentido, Pasolini explora en estos lugares, la pobreza, los rostros desesperados, los animales biblicos, las humildes casas, los árboles de olivos, la inmensidad y la desolación desértica sin tintes cinemáticos. Estos escenarios por supuesto, serían trasladados a Matera, Potenza, Tarento, Isola y Bari para rodar lo que sería la gran obra maestra del intelectual italiano.


Comizi D' Amore (1964)

Director: Pier Paolo Pasolini 
País: Italia

En este documental, Pier Paolo sale a entrevistar personas de todas las edades en Italia acerca de temas alrededor del "amor", es decir sobre el sexo, la virginidad, la homosexualidad, el matrimonio, el divorcio, la igualdad de género, la liberación femenina o la prostitución. Pasolini también toca estos tópicos desde un punto de vista social y económico y pregunta a los entrevistados su opinión acerca de la participación femenina en el trabajo por ejemplo.

Con cámara y micrófono en mano, el intelectual italiano pregunta tanto al proletariado como a la burguesía sus opiniones, encontrándose tanto respuestas complejas y como respuestas simples por igual. Pasolini además analiza, junto con dos catedráticos, el porqué de la escandalización, el conformismo y los tabués que generan en la población.

Otro aspecto interesante, es la "pureza" del iletrado, esa que mencionó Pasolini muchas veces en entrevistas. De acuerdo a esto, el proletariado mantiene las cosas sencillas y claras, mientras que la clase acomodada y letrada, mezcla conceptos y se mete en un mar de ideas confusas haciendo de lo simple, algo enmarañado y difícil de descifrar.

Por otra parte, en los entrevistados podemos encontrar reflexiones importantes, por ejemplo, el hecho de que algunas niñas y adolescentes consideran que "el hombre no debe ser superior a la mujer", y el contraste, en donde algunas señoras de la tercera edad mencionan que "la mujer no debe ser libre, debe estar fija en casa". Ideas conservadoras e ideas liberales empezaban ya a brotar antes del famoso verano de 1968 que sacudiría a todo el mundo.

Pasolini a su vez se limita a preguntar, aunque algunas veces y a falta de ideas de los entrevistados, él propio elabora las respuestas para que estén de acuerdo o no. Respecto a esto y como lo he mencionado antes, podemos encontrar mayor complejidad en las respuestas de los burgueses, quienes le hacen frente a un intelectual del tamaño de Pasolini, sin embargo, el proletariado elabora pensamientos complejos para la época, como el hecho de que uno diga que "en Alemania, todos son libres porque tienen trabajo".

Sin duda este documental es de grandísimo valor histórico y social, no solo por los temas tratados, sino también para poner en perspectiva, cuestionarse y comparar ideas, prejuicios y conceptos del pasado con nuestro presente, en una sociedad convulsa y llena de ideas contradictorias pero sobretodo en una atmósfera actual escandalizada como nunca antes.

Para finalizar, me gustaria remarcar lo que uno de los catedráticos menciona y resulta poderosamente cierto que: "un hombre profundamente religioso no se escandaliza, Cristo no se escandalizaba, los fariseos si".

 

                                         

Il Vangelo Secondo Matteo (1964)

Director: Pier Paolo Pasolini 
País: Italia  

Rodada en el sur de Italia y protagonizada por actores no profesionales, esta película es, desde mi punto de vista, la mejor de todos los tiempos sobre la vida de Cristo. En este sentido, podemos decir que uno de los aspectos más apabullantes de este filme, es que por momentos, se puede llegar a pensar que se está viendo un documento real, o dicho de otro modo: es como si alguien hubiese filmado la vida y muerte de Jesús, para después, enterrar la cinta en algún punto cercano al Mar Muerto, solo para ser descubierta en los años 60. 
 
Pasolini además, se desmarca de la parafernalia visual estadounidense y británica, y nos muestra al Cristo de los pobres y de los harapientos conviviendo con gente real, en un escenario que nos remonta al modo de vida de la Palestina de hace 2000 años. Algo curioso pero importante, es que el Cristo es interpretado magistralmente por Enrique Irazoqui, un español al que Pasolini encontró por casualidad y dicho sea de paso, la propia madre del director interpreta a María, esto nos deja ver que el ojo de Pier Paolo era delicado al momento de escoger y dirigir su puesta en escena.
 
Pasolini también le mostró al mundo que la sensibilidad y el talento de un artista traspasa ideologías y creencias (siendo él mismo un comunista, homosexual y ateo, algo contrario a cualquier expresión de fe católica) y nos entrega una de las más finas y grandes obras en la historia del cine. 
 
Para finalizar, no nos podemos olvidar de la marca indeleble del director italiano que queda sellada desde el inicio: el primer plano, mismo que podemos apreciar en escenas como la de "el sermón de la montaña" y "la sanación del leproso", ésta última valiéndose solo de un plano y un contraplano para crear el efecto de la transformación. Sin duda, "El Evangelio Según San Mateo" es una obra poderosísima y obligada para cualquier amante del cine, se sea o no se sea creyente.
 
 
 

Mamma Roma (1962)

Director: Pier Paolo Pasolini 
País: Italia
 
Hacia el final de este filme, estoy casi seguro que más de uno cruzó los dedos para que Pasolini hubiera rodado un "final feliz", sin embargo, al recordar que se trataba del mismo Pasolini, sabían de antemano que el final sería duro. Mamma Roma, interpretada por la increíble Anna Magnani, es la historia de una ex-prostituta, convertida ahora en vendedora de frutas y en una mujer con aspiraciones y ambiciones para ella y para su querido hijo Ettore, un chaval en busca de su identidad, su sexualidad, sus deseos y su propio lugar en este mundo.

Pier Paolo, como en Accattone, vuelve a explorar el universo de los marginales, el de los olvidados, y pone nuevamente en cuestión el sistema económico y social en el que sus protagonistas han nacido y se han desarrollado. ¿Es que acaso estos desahuciados sociales hubieran sido personas de bien si hubiesen nacido con dinero o con oportunidades?

También, Pasolini invita al espectador a cuestionarse su propia existencia a través de preguntas formuladas por Mamma Roma, que si bien son sencillas resultan importantes al momento de interpretar el filme, estas preguntas son tales como: ¿quién es el responsable de nuestras desgracias? o ¿hasta qué punto uno es el causante de su propio destino?

El comunismo y el catolicismo también están presentes y por supuesto, también son cuestionados. Mamma Roma quiere ver a Ettore feliz y triunfando en la vida, lo sobreprotege y no vislumbra a su hijo comulgando con ideas de comunistas adoctrinados, e incluso le previene de enrolarse en esos circulos. A pesar de estas precauciones, Ettore, un rebelde y desorientado adolescente, quiere valerse por si mismo aunque esto le lleve al desastre. Sumado a esto, el otrora "padrote" de Mamma Roma, Carmine (Franco Citti) aparece para cobrarle, no solo el dinero que le exige sino también su inocencia y su juventud perdidas a costa de ella.

La figura de Cristo está presente en la parte final del filme, ¿acaso Ettore es sacrificado para "lavar" los pecados de su madre? Pasolini evoca a su vez, el infierno de Dante y la Crucifixión para sellar el destino de Ettore y también responde a las preguntas antes formuladas por la misma Mamma Roma, eso si, abiertas a la libre interpretación del espectador.

En cuanto a la dirección, Pasolini nuevamente echa mano de la poesia, de la pintura y de la música para filmar lo que quiere transmitir, dejando claro que ser cineasta en su caso, no es mas que el resultado de ser y hacer otras cosas, y no al revés, ya que al no tener el veneno del cine, Pier Paolo filma con el instinto, con la mente del poeta y del intelectual que era: primeros planos, tomas fijas y planos secuencia, en los que se encuentra un bellísimo plano de más de cinco minutos de duración sin cortes en donde Anna Magnani suelta un monólogo con las luces de la ciudad de fondo o planos a lo chiaroscuro que van componiendo la obra como si se tratara de una pintura barroca.

Al respecto, Pasolini se mueve en áreas no solo del neorrealismo italiano, sino también del cine trascendental y del "slow cinema" para narrar la historia a través de escenas cotidianas, personas que caminan en lugares desolados, deshuesaderos o campos de tierra, sin cortes ni coberturas, esto le da al filme un aspecto contemplativo y reflexivo.

Finalmente, Pasolini escoge piezas barrocas de Vivaldi para acompañar la cinta, esto, desde mi punto de vista, no es coincidencia, y si una clara influencia de Bresson. Así pues, Pasolini ha labrado el camino para su siguiente filme: El Evangelio Según San Mateo, en donde se consolidaría como uno de los grandes maestros del cine de todos los tiempos.
 
 

Accatone (1961)

Director: Pier Paolo Pasolini
País: Italia

En este grandioso filme debut, el director, un intelectual, poeta y ensayista además, hace un despliegue impresionante de sus cualidades como cineasta, guionista y sobretodo, como un tremendo dialoguista (podrían sacarse decenas de frases memorables del diálogo) dándole no solo una textura sumamente realista a la película, sino también, una tridimencionalidad a los personajes, a los cuales presenta como lo que son: seres humanos complejos capaces de amar, sufrir, lastimar, reir o llorar.

El argumento se desenvuelve alrededor de Accattone, un proxeneta sin oficio ni beneficio, un ladronzuelo de baja categoria que hace todo lo posible por ganarse la vida sin imprimir esfuerzo alguno y que además, no está dispuesto a sacrificarse o a aceptar el trabajo como un medio para ganarse el pan. Para Accatone, trabajar no es negocio, ni fisica ni monetariamente. Asímismo, Accattone convive con otros vagos, desempleados, ladrones y marginales en los bajos fondos de Roma.

A pesar de tener estas características, Accatone es en el fondo, un tipo de buenos sentimientos, no un matón ni un asaltante, aunque su desgracia yace en la imposibilidad de progresar en la vida. En este punto, Pasolini le da un puñetazo en la boca a todo el movimiento de izquierda y comunista (siendo él un marxista) y les recuerda el fracaso y la tragedia de la miseria y pobreza eterna, o dicho de otro modo: la miseria no tiene remedio y ningún izquierdista lo solucionará.

Pasolini por su parte, hace un gran uso del travelling, del primer plano y del plano secuencia, este último para dejarnos ver escenas contemplativas como la de un niño jugando en la tierra, o dos personajes platicando mientras caminan. Por otro lado, es claro que Pier Paolo bebe de los neorrealistas italianos como Rosellini, De Sica o Visconti y también del Luis Buñuel mexicano y especificamente de Los Olvidados.

Hay que recordar que el fotógrafo Tonino Delli Colli (El Bueno, El Malo y El Feo, Bittermoon y otras más) hace también un asombroso trabajo de iluminación en los exteriores para igualar las escenas en sombra, asi como también las escenas nocturnas que tienen una textura y suavidad increíble.

También, Accatone podría ser la cara b de otro filme acerca de inútiles que vagan por las calles de la Italia en vias de desarrollo, sin nada que hacer, o bien de "I Vitelloni" de Federico Fellini, pero con una crudeza caracterizada por retratar la realidad de los marginales y de los iletrados, que desde niños están condenados a terminar como ladrones, proxenetas o trabajadores sin ningún porvenir.

Accattone, un "padrote" de poca monta, se aprovecha por supuesto de mujeres inocentes para prostituirlas; roba joyas incluso a niños, y aprovecha cualquier oportunidad para conseguir dinero fácil. A pesar de esto, el personaje invita a reflexionar acerca del trabajo: ¿vale la pena romperse el hombro por unos cuantos centavos? ¿es el trabajo de la clase obrera una forma de esclavismo o de prostitución?

Respecto a esto último, el retrato que Pasolini hace de la prostitución es sumamente crudo y apabullante. Por un lado se nos pone a la mujer victima de las circunstancias, pero por otro, se nos presenta a la mujer corrompida moralmente y que actúa premeditadamente, como Maddalena, la mujer de Accattone. La violencia tanto psicológica y física que el hombre le inflige a la mujer en el filme es brutal y Pasolini proyecta perfectamente esta realidad.

Finalmente, quiero repetir y resaltar el impresionante arsenal lingüistico del que Pasolini hace uso en los diálogos (Tarantino o Sorkin quedan como viles principiantes comparado con esto en mi opinión) donde maneja la jerga, el humor, la sátira, las metáforas, las hipérboles y cualquier otro recurso, con la maestría de un genio.

Dicho sea de paso, el uso de la lengua napolitana y de la lengua romana (mal llamadas "dialectos" cuando en realidad son lenguas en sí mismas) es ya un documento histórico junto con esa Roma del periodo de la posguerra la cual no existe más. Accattone, una obra poderosísima y sin igual en la historia del cine.

 


 

viernes, 18 de septiembre de 2020

Campeón Sin Corona (1945)

Director: Alejandro Galindo 
Country: Mexico 

Based on the life of Rodolfo "El Chango" Casanova, a Mexican boxer, this is one of the greatest Mexican films ever made but also one of the most underrated ones. How many times have you asked yourself: What would have happened if? either in your personal life or in chapters of human history, and this is one of those questions around Casanova's life, because he was a powerful boxer and a brilliant prodigy who unfortunately did not believe in himself nor in his own capabilities. 

Mexico is the land of tequila, mariachis and boxing (at least in stereotypical terms), and those who love this sport will be seriously affected by the themes presented in this beautiful and quite depressing motion picture, which not only portrays the rise and fall of Casanova but also the Mexican way of life and the argot used by the lower classes in the 40's.








jueves, 24 de mayo de 2018

Frankenstein (1931)

Director: James Whale
Country: United States

Frankenstein is the ultimate gothic scifi classic, a legendary novel that has reached the levels of the Greek mythology among contemporary scientists, filmmakers, writers and musicians, the mad scientist "playing God" and the monster who turns against its own father.

Many films have been inspired by this piece of work such as Blade Runner, Terminator 2, Re-Animator, Robocop, Body Parts, Frankenhooker, Frankenweenie and even TV comedies like "Weird Science". In the music department we can find Edgar Winter's song "Frankenstein" or Eddie Van Halen's custom guitar made with different guitar parts and named after the monster. In the science and techonology area we are living in a Frankenstenian-era: robots, drones and computers rule the manufacturing world, and according to some experts they soon will fight in warfields making their own decisions just like in fuckin Terminator 2: the Judgement Day

We also can see crazy scientific stuff since the cloning of Dolly the Sheep in the 90's to nowadays manipulation of genetic information in embryos and plants. Humanity and some scientists have gone crazy just like Victor Frankenstein, and society in itself is another version of him, we have created monsters through history either ideologically or physically and curiously enough, Victor and the Monster happen to be identified with the same name: Frankenstein, because the line gets blurred and we don't know who is the real villian here. 

Why do "Frankenstein" gets killed? and why does society kill him? Ironically that turns society into what the monster is, in other words, a ruthless murderer. Did Hitler create stone-cold Germans or the Germans created a crazy-murderer such as Hitler?; Whose gotta be judged by trial? autonomous killer machines or their creators behind a computer? These and more questions will be answered in the short run, but in the meantime in 2018, we are commemorating two hundred years since Mary Shelley wrote this fantastic novel and it is beautiful and terryfing at the same time how the story itself as the Monster in the film IS ALIVE!


                            
                 

miércoles, 28 de febrero de 2018

Duck and Cover (1952)

Director: Anthony Rizzo
Country: United States

The other day I was reading The Economist which happens to be my favorite and the only newspaper I read every week, and I found an interesting article about what to do in case of a Nuclear Attack. Along with the information provided it cited this goverment-funded propagandistic short-film with a picture of Bert the Turtle which represents the steps to follow in case the real thing occurs, this caught my attention and I went to see it.

The film, which has been inducted in the Library of Congress for its historical importance and whatnot, is a combination of animated images and reenactments portraying people in a nuclear-attack scenario in America, the vibrant America of the 50's where happy white kids used to play baseball and drink CocaCola; adults used to organize picnics at the park; and suburbs were clean and free of illegal aliens

This world reminded me of the America in the Norman Rockwell’s beautiful paintings (an artist I also knew about because of reading The Economist), which at that moment its only enemy was the evil Communism but Bert the Turtle was there to help and to educate the public to survive a deathly nuclear attack expected with or without warning and to show you how to prevent serious burnings. 

Before the apocalyptic scenarios of Terminator, 28 Days Later or The Walking Dead we had real scary shit during the Cold-War and its missile crises, now we have North Korean nukes pointing Alaska and Hawaii, so you better Duke and Cover!


                            

lunes, 8 de enero de 2018

Macbeth (1948)

Director: Orson Welles
Country: United States

Some years ago I saw Roman Polanski's adaptation of Macbeth but I overlooked the one made by Orson Welles, I thought that I did not need to see it in the first place since Polanski's version is a memorable film, however, I finally did it and it really surprised me because Macbeth is another tour de force in Welles' filmography, he produced it, wrote it, directed it and acted on it and by the way his performance is pure gold.

Macbeth is a very rich story about human condition, it is full of poetry, metaphors and symbolism, and in times of political turmoil like the ones we are living in (Brexit and the Election of Donald Trump) it is the perfect time to watch it. Welles offers a minimalistic film in black and white which helps the audience to focus on the story. 

Macbeth who is influenced by his wife, Lady Macbeth, is manipulated through his basic human flaws such as pride, greed, fear and jealousy, Macbeth also corrupts himself when killing the king but stills unsatisfied because Banquo and his family are the ones who will own the throne of Scotland. To revert this, Macbeth disobeys the Witches’ prophecy and orders the assesination of Banquo and his son Fleance, who avoids being killed.

Macbeth starts to lose his mind the moment he kills the king, he becomes a doble-crossing bastard who is thirsty of power, blood and brute force,using cheap rethoric to convince people that Banquo is responsible for their poverty and misery (sounds familiar?). Orson Welles' performance is powerful and we can see the transformation and the different textures of Macbeth's on his face: fear, violence and ultimately madness.

Welles was without a doubt a genius, he was like the Leonardo Da Vinci of cinema, too bad Hollywood hated him and many of his projects were unfinished or not even pre-produced. Macbeth is definitely a must see for anyone interested either in William Shakespeare or in Orson Welles and this movie in particular is available on YouTube for free!.

And last but not least Orson Welles is well-known for having made Citizen Kane, a film which inspired a whole generation of masters of filmmaking such as Martin Scorsese, William Friedkin, Francis Ford Coppola, Peter Bogdanovich and many more, so if you want to be either a GREAT filmmaker or a screenwriter you gotta see Welles' work, otherwise get the fuck outta my blog!