I Walked with a Zombie (1943)

Director: Jacques Torneaur 

País: Estados Unidos 

<Cualquier similitud con vivos, muertos o "poseídos" es mera coincidencia> se lee en los créditos iniciales de este filme de la famosa RKO, a modo de "broma". 

 

Betsy Connell, una enfermera canadiense, es contratada para cuidar a una paciente en una isla del Caribe, sin embargo, se verá envuelta en un romance turbulento y en un dilema profesional y religioso.

Una verdadera obra maestra del cine de terror, una genialidad que eleva el cine a la categoría de arte y una muestra de que para hacer una obra trascendental, y artística, no se requieren, necesariamente, de grandes cantidades de dinero, locaciones, efectos especiales o estrellas de cine, pero si de un autor con visión clara, creatividad y la capacidad de organizar, articular y contar una historia de forma elocuente.

Torneaur, además, lo logra con el presupuesto destinado a un filme de "serie B", y a pesar de esto, la película tiene un tonelaje y profundidad que ni de cerca tienen todas las películas de los "Monstruos de Universal" las cuales carecen de substancia y por momentos caen en lo "chusco".

 

Por el contrario, aquí se aborda el tema del zombie, o de los muertos vivientes, desde el ángulo del vudú, el culto a la muerte, y las creencias espirituales predominantes entre los habitantes de las islas caribeñas. Por otro lado, Tourneaur también toca el tema del colonialismo británico, las diferencias lingüísticas y de clase entre colonos europeos y negros, la explotación económica y, desde mi punto de vista, la imposición de los conceptos judeocristianos traídos por los europeos a América.

Apoyándose siempre en las luces y en las sombras, en el viento y en una narrativa que por momentos es onírica y hasta surrealista, lo cual ayuda a crear una atmósfera de terror, la película va articulando el misterio del triángulo amoroso entre los hermanos y la ahora "muerta viviente" y al mismo tiempo explorando el terreno religioso que atañe a la figura del "zombie".

Por otro lado, la poética de las imágenes se sostiene en el expresionismo alemán, imágenes que nos recuerdan a Murnau o a Dreyer, aunque con una voz y potencia propias. En este sentido, el filme de Torneaur ha influenciado a cineastas contemporáneos, el más claro ejemplo siendo el portugués Pedro Costa con su "Cavalo Dinheiro" o "Vitalina Varela", las cuales, sin ser una calca, evocan el terror, el misterio y la atmósfera onírica del filme de Torneaur y a personajes que deambulan entre la vida y la muerte.

Al respecto, imágenes como la de Jessica vestida de blanco y bajando las escaleras, la de Carrefour apareciendo en primer plano o el ritual vudú con el baile y la muñeca, resultan realmente estremecedoras y alejadas de cualquier artilugio o parafernalia visual, dependiendo únicamente de los sonidos y del mero ritual, en el caso de la escena del vudú, para proyectar con potencia la esencia de la hechicería.

También, el filme nos muestra el folklore de los nativos de esta isla caribeña (presuponiendo que se trata de Haití) con música a base de percusiones y de guitarra criolla, esta última utilizada con maestría, cual "número musical", en donde se desenmaraña la turbulenta situación de los hermanos y la mujer ahora en estado "zombie".

Además, el tema de la muerte asistida y el dilema moral y ético que esto representa para el cuerpo médico, es algo realmente vanguardista para la época y que incluso hoy en día sigue causando escozor en ciertos sectores de la sociedad y la medicina. Es por estas razones que la obra de Torneaur se desmarca absolutamente de los zombies de Romero, Fulci, Plaza, Danny Boyle o de la hiperpopular "The Walking Dead", todas ellas con el gore como parte de su sistema nervioso central.

 

Resumiendo, este filme "artesanal" de un maestro del cine como Tourneaur ha traspasado y resistido el tiempo como pocas, una capacidad reservada solo para las grandes obras de arte y se planta firme a pesar de las tendencias y el festín de hemoglobina que predomina en el cine y TV, especialmente en el género "zombie".

El Asalto (1960)

Director: Kurt Land

País: Argentina 

Un grupo de delincuentes, liderado por "El Profesor", planea un asalto al Banco del Plata, sin embargo, para ejecutarlo deberán tomar otros riesgos y hacer ciertos "sacrificios".

Filme argentino del género de robos y atracos basado en la novela de Enrique Silberstein, con guion de Ariel Cortazzo y dirección de Kurt Land, un austriaco avecindado en Argentina. Rodado de forma clásica y con personajes dignos de este tipo de cine, es decir, los clásicos ladrones de poca monta y con rostros de perdedores (como los asaltantes perdedores en The Killing de Stanley Kubric) Los escenarios donde se desarrolla la acción son también familiares al cine de delincuentes: billares, cafés o salones de la vida nocturna.

Por otro lado, este grupo de ladrones, aunque simpáticos y vestidos de traje y corbata, siempre dejan entrever su lado frio y calculador (como individuos anti-sociales), en ese aspecto, siempre se muestran como desadaptados sociales (con aversión al trabajo y a las reglas que hay que cumplir como consecuencia de ello) y prestos a usar la violencia.También, la historia tiene tintes de cine negro con las voces en "off", aunque los chispazos de humor bufonesco le quitan un poco de tensión a la trama, más allá de que generan conflicto en la historia, por ejemplo, el policía parlanchín que se queja de su miserable vida.

El director por su parte, ejecuta de gran forma toda la planeación al robo, dándole dinamismo al usar a todos los personajes (sin centrarse en uno solo) y como no podría ser de otra forma, dotándola de un giro inesperado al final. Filme de gran factura, sin subtramas largas ni denuncias sociales o cuestionamientos filosóficos, a pesar de dejar entrever que "el mundo es para los jóvenes", y tampoco sin pretensiones de querer ser la gran pelicula de robos. Lo que se ve en pantalla es lo que ocurre.

 

 

Nanook of the North (1922)

Director: Robert Flaherty 

País: Estados Unidos 

Un filme silente transmitido tradicionalmente en épocas de Navidad en la televisión y casi siempre presentado como documental, aunque en realidad es parte ficción y tiene cierta puesta en escena, como las escenas dentro del iglú, cuando Nanook "caza" un pez, el cual ya estaba muerto o la escena del gramófono por mencionar algunas.

 

La historia gira en torno al ya mencionado "Nanook" y a su familia y animales de caza que viven (o sobreviven) en las tierras gélidas de Canadá. Asimismo, la mujer de Nanook en el documental no era en realidad su mujer. Por otro lado, la intención del director es, claramente, transmitir el modo de vida y costumbres del hombre "primitivo" lo cual logra sin lugar a dudas. También, transmite con crudeza las condiciones climáticas y muestra sin sentimentalismos la caza de focas, morzas o zorros, los cuales son el único alimento para los nativos de estas latitudes. 

 

En este sentido, la película cumple su cometido y funge cual exposición del "hombre primitivo" de un museo pero en movimiento. Los grandes planos mostrando la vasta capa de hielo y los primeros planos mostrando los rostros de la familia de Nanook son de gran expresividad y le dan verosimilitud al filme.

También, la obra funciona como documento educativo pues muestra también como juegan los niños a cazar osos polares (hechos de nieve) como se usa aceite de foca como un elemento combustible o algunos otros datos que nos dan los intertitulos. 

 

La música para la versión restaurada fue compuesta por Timothy Brock, quien le da una atmósfera dramática, y por momentos melancólica y misteriosa, que nunca desentona con las imágenes, especialmente con el crudo final que enfoca a los perros durmiendo cubiertos por la nieve.

Gran filme para la historia, el cual se encuentra hoy bajo dominio público, y que en su momento sentó las bases para el cine documental que vendría con el paso del tiempo.

 

 

 

Garrincha, alegria do povo (1963)

Director: Joaquim Pedro de Andrade

País: Brasil 

 

En Brasil, el nombre de Manoel Francisco Dos Santos, mejor conocido como "Garrincha", es sinónimo de habilidad y victoria, su apodo, tomado del nombre de un ave del Mato Grosso, es tan poético como su forma de jugar al futbol. 

 

"Se fossemos 75 milhoes de Garrinchas, que país sería éste, maior que a Russia, maior que os Estados Unidos". Con esta frase a modo de epígrafe del escritor Nelson Rodrigues, inicia el documental sobre uno de los grandes futbolistas que ha dado el Brasil, aunque en este trabajo solo se incluya su faceta más brillante y no así, su decadencia. 

La cámara sigue por la calle a Garrincha cuando va a un banco, a una tienda de vinilos y a su casa, obsequiada por una fábrica de tejidos, asentada en la villa donde nació, como premio por haber conquistado la Copa Mundial de 1958 en Suecia. Estas secuencias documentalistas-cine verité, muestran a un hombre sencillo y sin aires de grandeza, y cuyo propósito es el de jugar futbol y divertirse, ya sea en el campo del Botafogo o en su tierra natal de Pau Grande con los chicos de la villa. 

 

A propósito de esto, Garrincha quien laboraba en la fábrica y era mal funcionario, no fue despedido gracias a sus habilidades técnicas para jugar futbol y ganar partidos para la escuadra de la fábrica. Esto, a su vez, hizo que llegara a fichar por el Botafogo. Es asi que, el ser buen futbolista en Brasil significaba no solo ser un tocado por Dios, sino también salir de la miseria, de la pobreza y de los trabajos explotadores, tal y como era la posibilidad de ser boxeador en México o torero en España. 

 

El director del filme a su vez, intercala fotografías con videos de archivo para mostrar las habilidades del mítico 7 de la selección brasileña: la gambeta, el recorte, el pase o su capacidad para desbordar a los defensores por la banda derecha. Estas cualidades innatas hicieron de Garrincha un ídolo carioca y del Brasil en general, es por esto que se le ve rodeado de multitudes y de gente pidiéndole autógrafos o saludándole por la calle. De igual forma, su fama adquirida fue aprovechada por políticos y otros oportunistas. 

 

Punto y aparte son los defectos físicos de Garrincha explicados por un médico. Estos defectos increíblemente tampoco entorpecieron su deseo de mirar al horizonte en el campo de juego, es decir, encarar a los defensas, gambetearlos y apuntar a la meta. De igual forma, esto pone en cuestión los efectos de los diagnósticos médicos en cierto sentido, es decir, ¿qué hubiese pasado si un médico hubiese impedido a Garrincha de jugar al futbol? sin duda, resulta una locura que alguien le hubiese impedido al mundo ver a un jugador de tal calibre.

 

De gran valor resultan también los primeros planos del publico brasileño en las tribunas, los cuales conjugan una gran belleza y transmiten la variedad de emociones del espectador: sorpresa, alegría, angustia o tristeza. Asimismo, la superstición, la cábala, la "macumba" y los "feticeiros" son mencionados como parte del ritual religioso que representa el futbol en Brasil y que lo eleva a la categoría de culto religioso y no solo al de un simple pasatiempo familiar. 

 

Así entonces, estos documentos fílmicos prueban, de cierto modo, que el futbolista ídolo no es cosa de años recientes o producto de la TV, sino producto de sí mismo y de su manera de desplegar su habilidad y carisma en la cancha, ya que en los años 50 y 60 el futbol no era la máquina mercadológica y mediática que es hoy en dia. El director muestra también la relevancia que Mané tuvo en las conquistas de las Copas de Suecia 1958 y Chile 1962 aunque no de manera cronológica. Esto, en mi opinión, entorpece la fluidez del documental.

 

Respecto a esto, se muestra la tragedia del "Maracanazo", la derrota contra Uruguay en la final del mundial de 1950. Llanto, rabia, frustración e incredulidad se apoderaron de todo un pais al ver a su selección dejar ir el titulo mundial ante una heroica escuadra "charrúa". 

 

La música que acompaña las imágenes es diversa: samba, swing o música clásica son las elecciones del director para darle ritmo y color a este documental que termina de forma nostálgica mostrando al Maracaná vacío y reservándose el trágico final que tendría Garrincha, el hombre del apodo poético y la alegría del pueblo. Para finalizar, no hay mejores palabras para resumir la vida de Mané que las dichas por Diego Armando Maradona, quien dijo: "El ídolo de Rio, y el carioca más importante que existe, es Garrincha".

 

 

 

 

Muerte de un Ciclista (1955)

Director: Juan Antonio Bardem 

País: España 

 

Este filme lidia con los temas de la consciencia, el egoísmo, la injusticia, las secuelas de la guerra y la burocracia, además de retratar a una burguesia que vive apartada de la realidad en una España empobrecida. 

 

Es así que, una familia ha quedado desamparada, una alumna ha sido reprobada y un hombre ha sido engañado, estos hechos, que causan infelicidad y muerte, son el resultado del egocentrismo de quienes los han causado. Esto también podría interpretarse como una metáfora del gobierno de Franco (la burguesía) y el pueblo oprimido y victima de la injusticia (el ciclista y la estudiante) En ese sentido, la película esconde muy bien estos motivos "políticos" para los posibles ofendidos de la época.

 

Resumiendo, la historia raya en lo moralizante, sobretodo la linea del amorío, lo cual le quita potencia a la narrativa desde mi punto de vista, aunque eso no la despoja de su calidad, en términos generales, como obra fílmica.

 

Steamboat Willie (1928)

Director: Walt Disney y Ub Iwerks

País: Estados Unidos 

Primer cortometraje animado con sonido sincronizado, diseñado por Ub Iwerks y donde aparece la icónica imagen de Mickey al mando de un bote a vapor y silbando alegremente. 

Cuando una cabra se come unas partituras, Minnie, quien previamente es ayudada por Mickey para subir, usa la cola del animal para darle cuerda y que este emita una melodía. Esta secuencia con la canción "Turkey in the Straw", con Mickey en las percusiones y usando a otros animales de granja para tocar la canción, es una genialidad de la animación y del sonido que resulta alucinante. Sin embargo, el capitán Pete, un gato grandulón que mastica tabaco, se encarga de castigar al querido ratón al que envia después a pelar papas. 

 

Por su parte, la gracia que transmite el "Ratón Miguelito" es trascendental y hasta el día de hoy el cortometraje se mantiene fresco y lleno de vida. Walt Disney se encargó de supervisar la grabación de la música y fue también quien, de forma visionaria, anticipó el entonces fin del cine silente. 

 

Pese a su cortísima duración, este es el inicio del imperio de la animación de Disney y su "fábrica de sueños" que posteriormente lanzaría "Blanca Nieves y los Siete Enanos" la primer película animada de larga duración con sonido.

 

 

High Noon (1952)

Director: Fred Zinnemann 

Pais: Estados Unidos

 

"Solo ante el peligro" como se le tituló en castellano, es uno de los más grandes westerns jamás hechos. Protagonizada por Gary Cooper, el símbolo masculino occidental por excelencia, ese que, parafraseando a Tony Soprano, escuchaba, callaba y actuaba sin ir al psicólogo a contar sus problemas y a lloriquear, sino que hacia todo lo contrario, es decir, los enfrentaba con dignidad y respeto propio, a sabiendas de que la vida se le podia ir en ello. 

 

Es por esto que Cooper llegó a ser un ícono para toda una generación nacida después de la Segunda Guerra Mundial y este filme es el ejemplo tanto de ello, como el de una masculinidad americana que ya no existe o que está en vías de extinción. Dicho sea de paso, la figura de Cooper como el "sheriff" que va contra un grupo de enemigos ha sido replicada en multitud de ocasiones por políticos estadounidenses de todos los niveles que, imitando a Cooper, venden la idea de ir solos contra el adversario o adversarios.

 

Por otro lado, el filme también subraya que una sociedad con criminales, violencia y sangre, siempre será un "mal negocio" para futuros inversores y para la prosperidad de cualquier ciudad, en ese sentido, la justicia y el orden son la prioridad, siempre y cuando no atenten contra nuestra propia integridad y libertades. Es entonces donde entra la gallardía mítica de Cooper (el actor vuelto arquetipo) que decide enfrentar, solo y su alma, a los fuera de la ley, salvaguardando a su pueblo, y salvando su orgullo, sus valores y sus principios (aún cuando se le da la oportunidad de escapar y librarse de esa carga).

 

Por su parte, el director del filme, Fred Zinnemann, nos muestra a un "marshall" humano en la figura de Will Kane (Cooper) y reivindica también la figura femenina tanto en el personaje de Helen Ramirez (Kary Jurado) una mujer mexicana y dura, como en el de Amy Kane (Grace Kelly), mujeres con sus propios ideales.

 

También, hay que añadir que es una película hecha con poco presupuesto, un western sin la parafernalia visual de otros, pero que con una dirección adecuada que logra transmitir el suspenso y nos mantiene en la expectativa de lo que puede suceder cuando llegue Frank Miller a la pequeña ciudad. Este suspenso el director lo ejecuta de forma económica (pero efectiva) con solo hacer planos del reloj.  

 

Finalmente, me quedo con la imagen de Gary Cooper caminando solo en medio del pueblo, listo para enfrentar la muerte, una imagen ya icónica del séptimo arte. Así pues, "High Noon" es una obra imprescindible del género Western y de la filmografía de Gary Cooper, "the strong slient type" de acuerdo al anti-héroe por excelencia de la TV, Tony Soprano. 

La Otra (1946)

Director: Roberto Gavaldón 

País: México

En el México de la primera mitad del siglo XX también se incursionó en el llamado cine negro, uno de los géneros más fascinantes (y con diversas ramificaciones) que hayan existido, sin embargo, este tipo de historias en el cine, tuvieron una vida limitada en nuestro país por cuestiones sociales, culturales y una censura rampante de parte de los políticos de la época. A pesar de esto, Roberto Gavaldón fue uno de los mejores exponentes de este tipo de cine en México y para muestra esta película. 

Con la interpretación de la esplendorosa Dolores del Rio como Maria y Magdalena, la historia trata sobre la ambición y la usurpación de identidad por medio del asesinato, un crimen cometido a sangre fría por Maria (la hermana pobre) para despojar de sus bienes materiales a la recien viuda Magdalena (la hermana rica). Una vez cometido el crimen, Maria (ahora haciéndose pasar por Magdalena) se ve involucrada en un entramado del cual no podrá salir. 

 

En mi punto de vista, la genialidad de la película se debe al magnífico guion, escrito por José Revueltas y el propio Gavaldón, pues la historia está magistralmente estructurada, llena de revelaciones y reveses inesperados, en donde la figura de la "Femme Fatale" es siempre el centro de la acción y del argumento y por si fuera poco nunca resulta lenta y predecible. Además, el lado policiaco de la pelicula funciona porque México era en ese momento, un país en donde la policía y los detectives gozaban de respeto, prestigio y de credibilidad entre la sociedad. 

 

En cuanto a la puesta en escena, la cinta goza de una tremenda fotografía expresionista de Alex Phillips, que retrata a los personajes entre sombras de la ciudad y luces tenues (claramente con la influencia de Murnau). Gavaldón por su parte, hace un excelente trabajo de dirección, sobretodo en las escenas donde Dolores del Rio debe interpretar a las dos mujeres, para lo cual Gavaldón resuelve sin mayor complicación con planos y contraplanos.

 

Mención especial merece Agustin Irusta, un actor nacido en Argentina pero que su carrera lo llevó a ser un trotamundos. Finalmente y en mi opinión, esta es una de las grandes películas del cine negro hecho en México, la cual no le pide nada a ninguna producción extranjera de este género. 

 

 

Chronik der Anna Magdalena Bach (1968)

Director: Jean-Marie Straub y Danielle Huillet 

País: Alemania/Italia

Hablar del trabajo de Straub y Huillet es hablar de un cine que no tiene nada que ver con la estructura argumental y visual que conocemos, ya sea de occidente o de oriente, y tampoco bebe del teatro para levantarse, y en esta obra maestra de época esto queda patentado pues es una cinta totalmente de la música para la música.

Muy lejos de la parafernalia visual o de los personajes excéntricos y dramatizados que suelen aparecer en los filmes biográficos y más aún de época, Straub aborda la vida del asombroso Johann Sebastian Bach narrada desde la voz de Anna Magdalena Bach misma que va leyendo un diario con episodios familiares (un recurso ficticio de los cineastas). Bach por su parte es interpretado por un músico real y de renombre: Gustav Leonhardt, al igual que los músicos que lo acompañan que también son reales y no actores.

Al respecto, este es un filme impresionante que nos va llevando por la vida del gran compositor alemán: su juventud, la muerte de sus hijos, su paso por Weimar y Muhlausen, su devosión por la religión católica, los encargos de la corte, su paso por Leipzig, la ceguera que le afecta y finalmente su muerte.

En este sentido, Straub toca la ficción y el documentalismo, sin embargo, su estilo visual no tiene absolutamente nada que ver con eso, pues a través de tomas fijas y largas nos deja presenciar la ejecución de las piezas de Bach, haciéndole parte a la audiencia, es por esto que Straub no corta ni mueve la cámara y mucho menos crea diálogos, pues la música te va llevando en la historia.

Sumado a esto, el cineasta opta también por instrumentos de época y por filmar las escenas en donde las piezas de Bach fueron realmente interpretadas y por si fuera poco, las escenas son ensambles reales filmados a 1 sola toma. Además, el cineasta se apoya de fotos, partituras, pinturas y de muy breves interpretaciones, en ese aspecto, le hace al espectador darse una idea de como fue la vida de Bach sin necesidad de mostrarle todos los detalles, que por cuestiones de presupuesto hubiera sido imposible.

Para finalizar, el cine de Straub no es para cualquiera, ni siquiera para los que se jactan de ver "cine de arte", pues como ya he mencionado, este rompe con el tradicionalismo. También, desde mi punto de vista, para ver a Straub hay que tener un bagaje importante como aficionado, cinéfilo o como quieran llamarle para realmente apreciar este "cine artesanal" o de lo contrario el provecho de este será muy corto.

 

Ugetsu Monagatari (1953)

Director: Kenji Mizoguchi 

País: Japón

 

Esta es sin duda alguna, una obra que eleva el cine a la categoría de arte, y lo hace de forma esplendorosa, tanto a nivel visual como a nivel narrativo. La cinta tiene varios niveles de lectura, por un lado tenemos el retrato de la guerra, la devastación, la muerte y la violencia, y por el otro, tenemos la religión y la fantasía del folklore japonés representada en los fantasmas. 

 

Desde las primeras escenas conocemos los padecimientos de nuestros protagonistas, Genjuro, un artesano, y Tobei, un aspirante a samurai, los cuales resultan ser la ambición y el egoísmo, mismos males que causarán terribles consecuencias para sus mujeres y sus familias. Ugetsu además, es la película anti-bélica por excelencia, pues nos muestra a los beneficiados del "negocio": señores feudales, samurais, mercenarios y comerciantes, y también a los afectados del mismo: mujeres, niños y campesinos.

 

Filmada en un blanco y negro majestuoso que reviste la historia con elegancia, el director Kenji Mizoguchi maneja la cámara de una manera excepcional, haciendo tomas largas y pausadas, partiendo desde el lado derecho de la pantalla y terminando en un plano estático como si de una pintura se tratara, además, las transiciones nos llevan de la realidad a la fantasía sin cambiar de plano. También, el manejo de la luz, las locaciones y los objetos que componen cada cuadro, le dan a esta obra una precisión realista de la era feudal del Japón. 

  

Mizoguchi nos muestra de forma implícita escenas brutales como violaciones, ejecuciones, o espíritus del más allá, y aquí radica la genialidad del director que hace imaginar al espectador y deja que sus sentidos se activen, esto es lo que le da la envergadura de artista y genio a Mizoguchi, su capacidad para evocar las imágenes sin siquiera mostrarlas.

 

En cuanto al aspecto místico y folklorico, Mizoguchi ya trata temas como el exorcismo y el espiritismo que en el cine americano se verían con seriedad hasta finales de los años 60 (Rosemary's Baby) y entrados los 70 (El Exorcista), sin embargo, el filme de Mizoguchi también tiene momentos realmente aterradores como la escena en donde a Genjuro le propone una geisha fantasmagórica casarse con ella, al mismo tiempo que escuchamos "voces del más allá", o la escena donde Genjuro finalmente se libra de los espíritus que intentan "llevárselo". 

 

Ugetsu Monogatari está en el selecto grupo de obras de arte que el cine ha engendrado, a las cuales el tiempo no las envejece, sino todo lo contrario: enaltece sus cualidades artísticas y continua esparciendo su influencia. Mi escena favorita de esta obra es donde van remando en las lanchas y se encuentran con un "fantasma" que sale de entre la niebla. Si la palabra poesía es aplicada a lo visual, este filme es el mejor ejemplo de ello.

 

 

To Be or Not To Be (1942)

Director: Ernst Lubitsch 

País: Estados Unidos

Este es un filme que homenajea a Shakespeare y al teatro; es una parodia del cine de espías y se mofa del nazismo de una manera elegante, mordaz e inteligente, un cine de comedia negra que Lubitsch pudo hacer en tiempo real (la Segunda Guerra Mundial terminó oficialmente en 1945)

Sumamente cuidada en el diseño, la iluminación y en el montaje, cuenta además con un tremendo guion, que tiene una maquinaria tal cual reloj suizo: ninguna escena sobra y ninguna escena falta, ya sin mencionar que goza de un tremendo diálogo que no pierde el ritmo ni en una sola escena. 

En este sentido, en el diálogo se puede encontrar doble-sentido y líneas sardónicas que derivan en un humor negro y ácido (pero nunca cruel) del más alto calibre. Dado a esta combinación de escenas y diálogo, la película nunca decae, algo que, en mi opinión, resulta impresionante.

Por estas razones es que las comedias de Lubitsch son divertidísimas y jamás caen en la bebería ni en el humor simplista, al contrario, el director se las arregla para darle la vuelta a una situación trivial y logra encontrarle una forma creativa y divertida de resolverla, a estas situaciones se les ha llamado " The Lubitsh Touch".

Para finalizar, Lubitsch es para mi, uno de los grandes maestros de la historia del cine, y por supuesto del género de la comedia. Sin embargo, y sin el afán de sonar condescendiente, me dan pena las jóvenes (y a veces no tan jóvenes) audiencias que son incapaces de sentarse a admirar y a descubrir las maravillas que hay detrás de un filme como éste y de otros más en la filmografia de este gran director alemán. 

 

Armored Car Robbery (1950)

Director: Richard Fleischer

País: Estados Unidos

Filme de cine negro en su categoria de robos y atracos, producido por la mítica RKO. La trama va sobre un grupo de delincuentes que asaltan una camioneta de valores afuera de un estadio en la ciudad de Los Ángeles, sin embargo, el atraco se sale de control y un policia muere en la escena, forzando así la huída de la banda de asaltantes.

La historia combina todos los elementos del cine negro y tiene un gran engranaje que es capaz de mantenerte al borde del asiento. Así mismo, es interesante que "The Killing" de Stanley Kubrick, hecha años después (1956) comparte algunos aspectos con esta cinta, que por desgracia no tuvo ni ha tenido el reconocimiento que debería.

La actuación es bastante realista y nunca cae en la exageración ni en la parafernalia de los tiroteos o ametralladoras, además, nos muestra a los criminales sin adornos románticos (algo que podemos encontrar en cintas del cine de los 70 y de gran jerarquía como en "The Friends of Eddie Coyle").

En cuanto a los detalles como la fotografía, el despliegue es impecable y nos regala planos expresionistas y un contraste que encaja perfectamente con Dave Purvis, el personaje principal, un criminal profesional que además de robar la camioneta de valores, le roba la novia a uno de sus asociados y no duda en ningún momento en liquidar a quien se le interponga en el camino, en pocas palabras un tipo de sangre fria.

Por otro lado, también podemos ver el accionar policíaco con un gran dinamismo: micrófonos ocultos, retenes en carreteras, telegramas y radio acompañan al teniente McGraw en su búsqueda incansable para detener a la banda.

Finalmente, este es el tipo de cine negro puro que nos muestra a verdaderos hombres en acción, ya sean delincuentes o policías. Los hombres del cine negro están siempre enfocados en sus misiones sin importar si la vida les va en ello; los tipos duros del cine negro fuman, beben, toman riesgos, no lloran y mucho menos van detrás de una mujer. Es por esto y más, que el cine negro como género es y será irreplicable en la industria del cine actual.

 

 

Los Golfos (1959)

Director: Carlos Saura 

País: España

Un grupo de rufianes de los arrabales de Madrid, los cuales se dedican a robar para ganarse el pan, decide ayudar a Juan, un miembro del grupo que sueña con ser torero, por lo que comienzan una serie de golpes para juntar las 20,000 pesetas que son necesarias para que Juan entre al ruedo, sin embargo, las cosas no salen como ellos lo esperaban.

En este filme debut del grandioso Carlos Saura, se comienzan a ver los elementos que tiempo después en España, definirían al llamado cine "quinqui", es decir, al cine de delincuentes juveniles que viven en las zonas periféricas y marginales de las grandes ciudades de España. Estos elementos son acompañados por la guitarra flamenca, el argot callejero o el ambiente de barrio sucio de la época, además de secuencias de robos, peleas o persecusiones, por mencionar algunas.

El filme rodado con actores no profesionales, tiene claramente, y como es de esperarse, una fuerte influencia del neorrealismo italiano y retrata perfectamente a la España oculta de Francisco Franco: un país desorganizado, pobre, iletrado y con una falta de oportunidades apabullantes (en el filme se menciona ir a "hacer la América" para subrayar esto)

Precisamente en esta España, el ser torero era la oportunidad de salir de la miseria, como en Brasil lo era ser futbolista o en México ser boxeador, esta temática ya se había visto en películas como "Il momento della veritá" de Francesco Rosi, aunque Saura aborda el tema desde un punto de vista más crudo y también menos estético desde mi punto de vista.

La cinta tiene muy buenos momentos, y las secuencias de robos me hicieron recordar por momentos algunas secuencias de "Pickpocket" aunque claro, sin llegar a la finura de Bresson. Saura monta muy bien todo y le da un toque de suspenso a los momentos claves del filme, rematando además la trama con un final brutal donde el futuro para esta pandilla de ladrones no pinta nada bien. 

 

La Fórmula Secreta (1964)

Director: Rubén Gámez

País: México

Este trabajo de cine experimental, con guion del propio director y con la participación de Jaime Sabines leyendo un texto de Juan Rulfo, fue también conocido como "Coca-Cola en la Sangre".

La primera escena de la cinta, inicia con un primer plano de una botella de Coca-Cola volteada y a modo de transferir su liquido a la sangre de un paciente. A partir de ese momento, la película nos lleva por un viaje alucinante de escenas "surrealistas", por llamarle de alguna forma, que resultan ser crudas y paradójicamente bastante realistas.

En mi punto de vista, una de las temáticas del filme es la pérdida de la identidad nacional frente a las costumbres, idiomas e ideología estadounidense y extranjera en general. Por otro lado también, el retrato realista de los mexicanos que hasta ese momento, se habían empeñado en romantizar la pobreza, el barrio y el campo, en gran parte de las cintas hechas durante la llamada "Época de Oro" del cine mexicano.

Es por eso que la cinta de Gámez resulta impresionante, porque va más allá de aspectos técnicos como el montaje, la fotografía o los diálogos y se remite simplemente a transmitir imágenes que calan y que provocan un sentimiento. Esto es para mi, cine y poesía pura.

Personalmente, la película también me transmite no solo la idea de los mexicanos como seres atrapados en la voraz "cultura" estadounidense y su idioma inglés, sino también como seres atrapados en la religión, en la pobreza, en la indiferencia y en la propia vorágine del egoísmo.

Sorprendente y desgraciadamente la película sigue vigente hoy en día, pues vivimos en un país donde el trabajador del campo gana una miseria; la religión sigue causando estragos al desarrollo del país; las empresas transnacionales siguen explotando la mano de obra y los recursos naturales; los anglicismos están cada vez más presentes en nuestro idioma español y la violencia y la sangre a borbotones ya no solo viene de una vaca como la que se ve en el filme, viene también de niños, mujeres y hombres en cada rincón del país.

Así entonces, ¿la transfusión de Coca-Cola a la sangre de los mexicanos está consumada? Habría que ver el último plano de esta película para voltear a ver nuestra realidad y encontrar las diferencias, en caso de que hubiera alguna.

Finalmente, hay que recordar que esta obra (hoy de culto) estuvo perdida durante várias décadas y fue recientemente restaurada y exhibida, aunque de todos modos es laborioso encontrarla pues no ha sido editada en DVD ni puesta en línea para su visionado.

 

Sopralluoghi in Palestina (1965)

Director: Pier Paolo Pasolini

País: Italia

Antes de comenzar el rodaje de El Evangelio Según San Mateo, Pasolini se embarcó en la búsqueda de las locaciones en el lugar donde ocurrieron los hechos: Jordan y Palestina, para tener una impresión realista y precisa de los lugares por donde Cristo caminó y habló. Esta búsqueda quedó filmada en este pequeño documental.

Sin embargo, al llegar a las posibles locaciones, Pasolini se encuentra con lugares desérticos y contaminados por la modernidad, lo cual le provocan cierto grado de decepción pues el objetivo del cineasta era rodar el filme en Palestina, con la atmósfera de los dias pre-cristianos y hebreos.

Por otro lado, es interesante ver como Pier Paolo Pasolini se expresa al hablar de Cristo, pues siempre lo hace de manera certera y afirmando su existencia, por ejemplo, "Cristo habló ahí" o "Cristo caminó por aquí", lo cual es en mi opinión, bastante sorprendente, considerando que Pasolini era un comunista, ateo y homosexual declarado (un estilo de vida claramente confrontado con el catolicismo de la época)

También, durante el documental, podemos observar la meticulosidad de Pasolini, el cual va haciendo comparativas y buscando en su mente qué lugares en Italia podrían servir para montar la vida, muerte y resurrección de Cristo, pues las ciudades palestinas (e israelís) se encuentran con autos, edificios y postes de teléfono que ensucian su visión.

Finalmente, Pasolini rodaria su película en Italia, pero la experiencia de haber visitado Jordan y Palestina le seria de utilidad para darse una idea del cómo, del espacio y de la textura que necesitaba para plasmar la vida de Cristo como nunca antes habia sido llevada al cine.

En ese sentido, Pasolini explora en estos lugares, la pobreza, los rostros desesperados, los animales biblicos, las humildes casas, los árboles de olivos, la inmensidad y la desolación desértica sin tintes cinemáticos. Estos escenarios por supuesto, serían trasladados a Matera, Potenza, Tarento, Isola y Bari para rodar lo que sería la gran obra maestra del intelectual italiano.

Comizi D' Amore (1964)

Director: Pier Paolo Pasolini 

País: Italia

En este documental, Pier Paolo sale a entrevistar personas de todas las edades en Italia acerca de temas alrededor del "amor", es decir sobre el sexo, la virginidad, la homosexualidad, el matrimonio, el divorcio, la igualdad de género, la liberación femenina o la prostitución. Pasolini también toca estos puntos desde un punto de vista social y económico y pregunta a los entrevistados su opinión acerca de la participación femenina en el trabajo por ejemplo.

Con cámara y micrófono en mano, el intelectual italiano pregunta tanto al proletariado como a la burguesía sus opiniones sobre estos temas, encontrándose respuestas complejas y respuestas simples por igual. Pasolini además analiza, junto con dos catedráticos, el por qué de la escandalización, el conformismo y los tabués que generan estos temas en la población.

Otro aspecto interesante, es la "pureza" del iletrado, esa que mencionó Pasolini muchas veces en entrevistas. De acuerdo a esto, el proletariado mantiene las cosas sencillas y claras, mientras que la clase acomodada y letrada, mezcla conceptos y se mete en un mar de ideas confusas haciendo de lo simple, algo enmarañado y difícil de descifrar.

Por otra parte, en los entrevistados podemos encontrar reflexiones importantes, por ejemplo, el hecho de que algunas niñas y adolescentes consideran que "el hombre no debe ser superior a la mujer", y el contraste, en donde algunas señoras de la tercera edad mencionan que "la mujer no debe ser libre, debe estar fija en casa". Ideas conservadoras e ideas liberales empezaban ya a brotar antes del famoso verano de 1968 que sacudiría a todo el mundo.

Pasolini a su vez se limita a preguntar, aunque algunas veces y a falta de ideas de los entrevistados, elabora las ideas para que estén de acuerdo o no. Respecto a esto y como lo he mencionado antes, podemos encontrar mayor complejidad en las respuestas de los burgueses, quienes le hacen frente a un intelectual del tamaño de Pasolini, sin embargo, los proletariados elaboran pensamientos complejos para la época, como el hecho de que uno diga que "en Alemania, todos son libres porque tienen trabajo".

Sin duda este documental es de grandísimo valor histórico y social, no solo por los temas tratados, sino también para poner en perspectiva, cuestionarse y comparar ideas, prejuicios y conceptos del pasado con nuestro presente, en una sociedad convulsa y llena de ideas contradictorias pero sobretodo en una sociedad actual escandalizada como nunca antes.

Para finalizar, me gustaria remarcar lo que uno de los catedráticos menciona y resulta poderosamente cierto: "un hombre profundamente religioso no se escandaliza, Cristo no se escandalizaba, los fariseos si".

Il Vangelo Secondo Matteo (1964)

Director: Pier Paolo Pasolini 

País: Italia  

Rodada en el sur de Italia y protagonizada por actores no profesionales, esta película es, desde mi punto de vista, la mejor de todos los tiempos sobre la vida de Cristo. En este sentido, podemos decir que uno de los aspectos más apabullantes de este filme, es que por momentos, se puede llegar a pensar que se está viendo un documento real, o dicho de otro modo: es como si alguien hubiese filmado la vida y muerte de Jesús, para después, enterrar la cinta en algún punto cercano al Mar Muerto, solo para ser descubierta en los años 60. 

 

Pasolini además, se desmarca de la parafernalia visual estadounidense y británica, y nos muestra al Cristo de los pobres y de los harapientos conviviendo con gente real, en un escenario que nos remonta al modo de vida de la Palestina de hace 2000 años. Algo curioso pero importante, es que el Cristo es interpretado magistralmente por Enrique Irazoqui, un español al que Pasolini encontró por casualidad y dicho sea de paso, la propia madre del director interpreta a María, esto nos deja ver que el ojo de Pier Paolo era delicado al momento de escoger y dirigir su puesta en escena.

 

Pasolini también le mostró al mundo que la sensibilidad y el talento de un artista traspasa ideologías y creencias (siendo él mismo un comunista, homosexual y ateo, algo contrario a cualquier expresión de fe católica) y nos entrega una de las más finas y grandes obras en la historia del cine. 

 

Para finalizar, no nos podemos olvidar de la marca indeleble del director italiano que queda sellada desde el inicio: el primer plano, mismo que podemos apreciar en escenas como la de "el sermón de la montaña" y "la sanación del leproso", ésta última valiéndose solo de un plano y un contraplano para crear el efecto de la transformación. Sin duda, "El Evangelio Según San Mateo" es una obra poderosísima y obligada para cualquier amante del cine, se sea o no se sea creyente.

 

 

 

Mamma Roma (1962)

Director: Pier Paolo Pasolini 

País: Italia

 

Hacia el final de este filme, estoy casi seguro que más de uno cruzó los dedos para que Pasolini hubiera rodado un "final feliz", sin embargo, al recordar que se trataba del mismo Pasolini, sabían de antemano que el final sería duro. Mamma Roma, interpretada por la increíble Anna Magnani, es la historia de una ex-prostituta, convertida ahora en vendedora de frutas y en una mujer con aspiraciones y ambiciones para ella y para su querido hijo Ettore, un chaval en busca de su identidad, su sexualidad, sus deseos y su propio lugar en este mundo.

Pier Paolo, como en Accattone, vuelve a explorar el universo de los marginales, el de los olvidados, y pone nuevamente en cuestión el sistema económico y social en el que sus protagonistas han nacido y se han desarrollado. ¿Es que acaso estos desahuciados sociales hubieran sido personas de bien si hubiesen nacido con dinero o con oportunidades?

También, Pasolini invita al espectador a cuestionarse su propia existencia a través de preguntas formuladas por Mamma Roma, que si bien son sencillas resultan importantes al momento de interpretar el filme, estas preguntas son tales como: ¿quién es el responsable de nuestras desgracias? o ¿hasta qué punto uno es el causante de su propio destino?

El comunismo y el catolicismo también están presentes y por supuesto, también son cuestionados. Mamma Roma quiere ver a Ettore feliz y triunfando en la vida, lo sobreprotege y no vislumbra a su hijo comulgando con ideas de comunistas adoctrinados, e incluso le previene de enrolarse en esos circulos. A pesar de estas precauciones, Ettore, un rebelde y desorientado adolescente, quiere valerse por si mismo aunque esto le lleve al desastre. Sumado a esto, el otrora "padrote" de Mamma Roma, Carmine (Franco Citti) aparece para cobrarle, no solo el dinero que le exige sino también su inocencia y su juventud perdidas a costa de ella.

La figura de Cristo está presente en la parte final del filme, ¿acaso Ettore es sacrificado para "lavar" los pecados de su madre? Pasolini evoca a su vez, el infierno de Dante y la Crucifixión para sellar el destino de Ettore y también responde a las preguntas antes formuladas por la misma Mamma Roma, eso si, abiertas a la libre interpretación del espectador.

En cuanto a la dirección, Pasolini nuevamente echa mano de la poesia, de la pintura y de la música para filmar lo que quiere transmitir, dejando claro que ser cineasta en su caso, no es mas que el resultado de ser y hacer otras cosas, y no al revés, ya que al no tener el veneno del cine, Pier Paolo filma con el instinto, con la mente del poeta y del intelectual que era: primeros planos, tomas fijas y planos secuencia, en los que se encuentra un bellísimo plano de más de cinco minutos de duración sin cortes en donde Anna Magnani suelta un monólogo con las luces de la ciudad de fondo o planos a lo chiaroscuro que van componiendo la obra como si se tratara de una pintura barroca.

Al respecto, Pasolini se mueve en áreas no solo del neorrealismo italiano, sino también del cine trascendental y del "slow cinema" para narrar la historia a través de escenas cotidianas, personas que caminan en lugares desolados, deshuesaderos o campos de tierra, sin cortes ni coberturas, esto le da al filme un aspecto contemplativo y reflexivo.

Finalmente, Pasolini escoge piezas barrocas de Vivaldi para acompañar la cinta, esto, desde mi punto de vista, no es coincidencia, y si una clara influencia de Bresson. Así pues, Pasolini ha labrado el camino para su siguiente filme: El Evangelio Según San Mateo, en donde se consolidaría como uno de los grandes maestros del cine de todos los tiempos.

 

 

Accatone (1961)

Director: Pier Paolo Pasolini

País: Italia

En este grandioso filme debut, el director, un intelectual, poeta y ensayista además, hace un despliegue impresionante de sus cualidades como cineasta, guionista y sobretodo, como un tremendo dialoguista (podrían sacarse decenas de frases memorables del diálogo) dándole no solo una textura sumamente realista a la película, sino también, una tridimencionalidad a los personajes, a los cuales presenta como lo que son: seres humanos complejos capaces de amar, sufrir, lastimar, reir o llorar.

El argumento se desenvuelve alrededor de Accattone, un proxeneta sin oficio ni beneficio, un ladronzuelo de baja categoria que hace todo lo posible por ganarse la vida sin imprimir esfuerzo alguno y que además, no está dispuesto a sacrificarse o a aceptar el trabajo como un medio para ganarse el pan. Para Accatone, trabajar no es negocio, ni fisica ni monetariamente. Asímismo, Accattone convive con otros vagos, desempleados, ladrones y marginales en los bajos fondos de Roma.

A pesar de tener estas características, Accatone es en el fondo, un tipo de buenos sentimientos, no un matón ni un asaltante, aunque su desgracia yace en la imposibilidad de progresar en la vida. En este punto, Pasolini le da un puñetazo en la boca a todo el movimiento de izquierda y comunista (siendo él un marxista) y les recuerda el fracaso y la tragedia de la miseria y pobreza eterna, o dicho de otro modo: la miseria no tiene remedio y ningún izquierdista lo solucionará.

Pasolini por su parte, hace un gran uso del travelling, del primer plano y del plano secuencia, este último para dejarnos ver escenas contemplativas como la de un niño jugando en la tierra, o dos personajes platicando mientras caminan. Por otro lado, es claro que Pier Paolo bebe de los neorrealistas italianos como Rosellini, De Sica o Visconti y también del Luis Buñuel mexicano y especificamente de Los Olvidados.

Hay que recordar que el fotógrafo Tonino Delli Colli (El Bueno, El Malo y El Feo, Bittermoon y otras más) hace también un asombroso trabajo de iluminación en los exteriores para igualar las escenas en sombra, asi como también las escenas nocturnas que tienen una textura y suavidad increíble.

También, Accatone podría ser la cara b de otro filme acerca de inútiles que vagan por las calles de la Italia en vias de desarrollo, sin nada que hacer, o bien de "I Vitelloni" de Federico Fellini, pero con una crudeza caracterizada por retratar la realidad de los marginales y de los iletrados, que desde niños están condenados a terminar como ladrones, proxenetas o trabajadores sin ningún porvenir.

Accattone, un "padrote" de poca monta, se aprovecha por supuesto de mujeres inocentes para prostituirlas; roba joyas incluso a niños, y aprovecha cualquier oportunidad para conseguir dinero fácil. A pesar de esto, el personaje invita a reflexionar acerca del trabajo: ¿vale la pena romperse el hombro por unos cuantos centavos? ¿es el trabajo de la clase obrera una forma de esclavismo o de prostitución?

Respecto a esto último, el retrato que Pasolini hace de la prostitución es sumamente crudo y apabullante. Por un lado se nos pone a la mujer victima de las circunstancias, pero por otro, se nos presenta a la mujer corrompida moralmente y que actúa premeditadamente, como Maddalena, la mujer de Accattone. La violencia tanto psicológica y física que el hombre le inflige a la mujer en el filme es brutal y Pasolini proyecta perfectamente esta realidad.

Finalmente, quiero repetir y resaltar el impresionante arsenal lingüistico del que Pasolini hace uso en los diálogos (Tarantino o Sorkin quedan como viles principiantes comparado con esto en mi opinión) donde maneja la jerga, el humor, la sátira, las metáforas, las hipérboles y cualquier otro recurso, con la maestría de un genio.

Dicho sea de paso, el uso de la lengua napolitana y de la lengua romana (mal llamadas "dialectos" cuando en realidad son lenguas en sí mismas) es ya un documento histórico junto con esa Roma del periodo de la posguerra la cual no existe más. Accattone, una obra poderosísima y sin igual en la historia del cine.